L’affiche

["Ô douleur ! Ô douleur ! Le Temps mange la vie,
Et l'obscur Ennemi qui nous ronge le cœur,
Du sang que nous perdons croît et se fortifie !"
- Baudelaire, L'Ennemi]

Voilà un certain temps que je n’avais pas eu l’occasion de voir quelque chose d’aussi mauvais. Pourtant, je dois bien dire qu’en m’infligeant Astérix et Obélix : au service de sa Majesté je me doutai fort bien de ce que je risquai d’y trouver…

Une énorme daube. Et je reste poli. Depuis le décès du -très- regretté René Goscinny la plupart de son héritage a été soumis à rude épreuve, et spécialement Les Aventures d’Astérix. Mais constater une nouvelle fois le niveau affligeant de nullité auquel le cinéma français est capable d’arriver me procure un profond sentiment de malaise, de colère et une sérieuse pointe de dégoût. Faire aussi minable avec une matière première si riche, intelligente et unanimement reconnue dénote au mieux une totale incapacité à comprendre l’oeuvre originale, au pire une réelle volonté de la saccager.

Le film donc, se propose de mixer l’histoire d’Astérix chez les Bretons et Astérix et les Normands au sein d’une seule et même aventure enrichie appauvrie d’éléments nouveaux issus de l’absence sidérale d’imagination des scénaristes. Etant donné les albums géniaux dont ils s’inspirent, on aurait pu supposer que lesdits scénaristes disposaient largement de quoi faire un film au minimum un peu drôle. Et pourtant, ç’aurait été bien mal connaître le talent de sapeur de monsieur Laurent Tirard, également responsable du meurtre sauvage du Petit Nicolas en 2009.

Pendant près de deux heures s’enchaînent des situations excessivement poussives ou de nombreux personnages totalement hors-sujet viennent participer au massacre. La trame de fond se perd en détours narratifs insurmontables, les longueurs deviennent la norme et les acteurs -pourtant un sacré casting- n’arrivent qu’à inspirer une pitié sincère. Entre amourettes foireuses (WTF ?) et morale suintante à l’américaine, l’histoire pourtant simple arrive même à devenir confuse en multipliant les points de vue aléatoires et à cause d’un montage aussi gauche que lourd.

Grosso modo : une bouse à oublier dans l’instant.

On en vient à se demander comment Gérard Depardieu, Edouard Baer et surtout Fabrice Luchini ont pu se laisser embarquer dans un naufrage pareil. Les acteurs semblent ne pas avoir conscience du niveau pitoyable de l’ensemble du film ; malgré une liste de grands noms à faire frémir. A part Gérard Depardieu, aucun d’entre eux n’arrive à transmettre l’esprit de son personnage et chacun rame de son côté sans parvenir à faire bouger la galère.

Sous couvert de fidélité visuelle à la bande-dessinée, l’histoire, les dialogues et surtout le comique de cette dernière sont sacrifiés presque en totalité. Heureusement, si on peut dire, quelques gags sont repris tels-quels de la BD originale et tempèrent un peu notre crise de larmes et nos spasmes d’angoisse.

Niveau visuel, on note une certaine réflexion pour coller à l’esprit d’Astérix. Manque de bol : l’imagerie de la série est beaucoup moins facile à reproduire au cinéma que son esprit humoristique. C’est ce qu’avait compris Alain Chabat dans Mission Cléopâtre. Alors certes, les personnages et les décors sont ressemblants. Mais mon dieu que c’est laid ! Entre couleurs fluo, costumes en plastique et décors en carton, le film ressemble autant qu’il le peut au graphisme d’Uderzo et renforce ainsi son aspect de triste  parodie.

Astérix et Obélix : au service de sa Majesté est une incarnation vivante de l’incompréhension du grand-public vis-a-vis de la bande-dessinée. Jugée enfantine et donc non-sérieuse, la finesse humoristique, les trouvailles langagières et parodiques passent totalement à la trappe pour coller à ce que les profanes nomment -une pointe de mépris dans la voix- « l’esprit BD ». Et vive les effets spéciaux dégueulasses, la laideur visuelle et la vacuité totale du propos. Ce film, et la plupart de ses prédécesseurs, pèche par ignorance dans le meilleur des cas. Leurs auteurs ignorent qu’au delà de son aspect enfantin et de son trait stylisé, derrière Astérix se cache avant tout un auteur, l’un des plus brillants auteurs comiques français du XXème siècle. Alors pardonnez-leur monsieur Goscinny, ils ne savent pas ce qu’ils font.

-Saint Epondyle-

Le noir et blanc très sombre du premier album laisse place à une esthétique psychédélique.

[When you're sleeping i'm awake,
When you destroy i create,
- Empyr, Give Me More]

Second album du groupe français Empyr, Unicorn reçu un accueil extrêmement froid auprès du public rock lors de sa sortie en 2010. Tout à fait dans la lignée du premier album, le très bon The Peaceful Riot, ce nouvel album continue de tracer les grandes lignes de l’identité musicale d’Empyr, du côté rock alternatif.

En lisant les commentaires concernant Unicorn, on comprend d’un côté que l’accueil glacial qui lui a été réservé vient d’un certain nombre d’anciens fans -rétrogrades par définition- pour qui un nouvel album d’Empyr confirme définitivement la mort de la période Kyo. De l’autre côté, on peut lire les éternelles rengaines des critiques snobinards pour lesquels un groupe composé d’anciens rockeurs pour midinettes n’est de toute façon pas digne de recevoir autre chose qu’une agression caractérisée. Les détracteurs se retrouvent tous sur un point : c’était mieux avant.

Pourtant, Unicorn est loin de mériter des foudres qui lui furent réservées, et s’affirme à mon sens comme une bonne suite, cohérente avec le premier album quoique effectivement en dessous. Toujours inscrit dans la lignée rock, Empyr jongle entre les sonorités brutes, planantes ou douces selon les morceaux, toujours bien construits et qui pourront tour à tour rappeler Placebo, Deftones et même Blackfield lors des passages les plus envolés.

Malgré tout, l’album pêche par son manque de cohérence interne. Les morceaux s’enchaînent et se ressemblent sans que de véritables temps forts ne viennent rompre avec la monotonie de l’ensemble. On apprécierait un retour aux sonorités métal du premier album afin de réaffirmer un peu plus l’identité du groupe. Même en considérant Empyr avec bienveillance, il devient difficile de ne pas constater, sur le milieu de l’album, un petit goût de soupe de légumes. Heureusement, au moins trois morceaux sortent du lot. A savoir Give me more, Under the fur et surtout Quiet qui renoue justement avec le son plus violent du premier album. On regrette quand même que les morceaux vraiment intéressants soient en minorité sur l’album.

Après le très bon niveau de The Peaceful Riot, on sait Empyr capable de surprendre grâce à une musique originale, racée et de qualité. S’il est dommage que Unicorn reste sensiblement en dessous, je trouve que le groupe mérite des encouragements pour poursuivre dans son choix risqué de revenir à une musique plus personnelle et moins grand-public après les succès passés. On ne peut qu’espérer un troisième album capable d’effacer les polémiques et, asseyant définitivement le son du groupe, de mettre tout le monde d’accord.

-Saint Epondyle-

[Empyr] The Peaceful Riot

[Groupe] Kyo

[Nightwish] Imaginaerum

La couverture, malheureusement moins belle que le contenu.

[Je ne prétend ici ni me chercher des excuses, ni accuser qui que ce soit de mes propres erreurs. Nous sommes tous faits de la même poussière, ne nous en déplaise.]

Si le terme consacré évoque la tradition « franco-belge » de la bande dessinée, je pense que l’expression ne correspond plus vraiment aux parutions actuelles, et je lui préfère donc l’appellation de « bande-dessinée européenne ». En effet, depuis quelques années c’est d’Espagne que nous viennent un bon nombre de titres vraiment magistraux ; le succès mérité de la série Blacksad étant sans doute l’exemple le plus révélateur de cette tendance.

Toujours scénarisé par l’excellent Juan Díaz Canales et dessiné par le maître Juanjo Guarnido, Âme Rouge, le troisième album de la série y occupe une place un peu particulière. Moins policier que les autres, cet album est l’occasion pour les auteurs de développer une période fascinante, celle de la guerre froide et du maccarthysme, des listes noires et de l’équilibre de la terreur.

Plus qu’une enquête unique, nous suivons cette fois John Blacksad entre magouilles politiques, luttes idéologiques et fantômes du passé dans ce qui ressemble bien à une affaire personnelle. Au fil de l’intrigue, le chat nouera des relations avec toute une galerie de nouvelles têtes, laissant ses comparses déjà connus comme Weekly et Smirnov plus en réserve. Au sein des cercles d’artistes et d’intellectuels de gauche new-yorkais, notre détective s’intéresse au passé de ces anciennes et nouvelles relations : du physicien Otto Lieber au mécène flambeur Samuel Gotfield en passant par la belle écrivaine Alma Mayer et leurs amis.

Ces nouveaux personnages permettent aux auteurs d’ouvrir de nouveaux espaces à la série, notamment en dévoilant une partie du passé de John et en lui faisant vivre une véritable histoire d’amour (malgré ses blessures du premier tome). Bref, l’enchaînement des albums permet à la série de continuer à grandir et aux personnages de poursuivre leur vie en traversant les époques et les différents lieux des Etats-Unis à chaque album. Pour notre plus grand plaisir.

Un peu moins typé que dans les autres albums, le graphisme de Guarnido reste une référence absolue.

En plus d’un scénario toujours très soigné, c’est également pour son atmosphère et son univers qu’Âme Rouge marque l’esprit. L’époque est à l’affrontement des idéaux et des modèles de société, et malgré les tensions actuelles le passé continue de peser très lourd. Les artistes, poètes, peintres, sculpteurs, écrivains s’emparent des sujets d’actualité de la Guerre Froide au travers de leur art, alors que les hommes politiques -loin de calmer le jeu- traquent les sympathisants communistes sans relâche. Il en résulte la peinture très immersive de l’état d’esprit de toute une société à l’une des heures les plus tendues de son histoire, sur une cinquantaine de pages à peine.

En parlant de peinture, le dessein très ambitieux de l’album est toujours servi par les superbes aquarelles de Juanjo Guarnido. Le dessin tout en finesse laisse la part belle aux détails et à l’expressivité des personnages, notamment grâce à plusieurs scènes vraiment sublimes. Néanmoins, on peut noter un léger creux dans le graphisme habituellement si racé du dessinateur ; plus humains, les personnages n’incarnent pas autant leur caractère animal que dans les autres volumes. Pourtant, la maetria de l’ensemble fait vite oublier cette petite baisse de caractère dans le dessin quasi-parfait de l’album. Le découpage enfin joue également pour beaucoup dans l’efficacité narrative de l’album et réussit à nous faire suivre une intrigue assez complexe sans jamais décrocher.

Soigné dans le moindre de ses aspects, Âme Rouge confirme l’accession de la série Blacksad au statut d’oeuvre culte. Une tendance confirmée dans le tome suivant : L’Enfer, le silence sortit par la suite. Extrêmement mature et adulte, ce tome 3 réussit à transformer l’exercice de style en diversifiant ses thèmes et en approfondissant intrigues et personnages. La preuve s’il en fallait une que la bande dessinée européenne mérite toujours amplement ses lettres de noblesse, espérons que ça dure.

-Saint Epondyle-

[BD] Blacksad : L’Enfer, le silence

[BD] Blacksad

The company you keep, le titre d’origine est bien plus parlant que la version française très fade en comparaison.

[Nous avons commis des erreurs,
mais on avait raison.]

S’il faudrait être inculte pour ne pas connaître le nom de Robert Redford, force m’est de reconnaître que j’aurais eu bien du mal à situer l’acteur/réalisateur avant cette semaine. C’est donc en allant voir au cinéma son dernier film, maladroitement baptisé Sous surveillance en version française que j’ai pu le découvrir en même temps comme acteur et réalisateur.

Un peu réticent en général aux films trop codifiés de policiers et d’espionnage, j’ai néanmoins apprécié cette histoire qui aborde plusieurs thèmes intéressant avec efficacité. Bien que le film se déroule de nos jours, l’intrigue prend racine dans les événements politiques qui secouèrent les Etats-Unis à la fin des années 1960, c’est à dire pendant la guerre du Vietnam.

Trente ans après avoir commis une série d’attentats meurtriers, le groupe terroriste d’extrême gauche des Weather Underground a disparu dans la nature. Jusqu’au jour ou l’interpellation de l’une des activistes relance l’affaire.

Alors que le FBI cherche à retrouver les complices de l’ancienne terroriste, un jeune journaliste en quête de scoop décide de se lancer à la poursuite du passé… Jusqu’à Jim Grant, un avocat new-yorkais apparemment sans histoire.

Ce qui m’agace avec les polars et les films d’espionnage, ce sont les poncifs réchauffés à l’infini dans le but de sortir indéfiniment le même lot de scénarios générés aléatoirement. Ma surprise a donc été plutôt agréable de découvrir ici une intrigue originale quoiqu’elle utilise quelques leviers classiques. Loin du thriller machiavélique de course-poursuite entre les terroristes ultra-méchants et une police super-efficace prête à les arrêter de justesse, le film aborde ses problématiques à hauteur humaine. Les terroristes sont retirés depuis trente ans et ont refait leur vie, ils sont rattrapés par le passés et contraints de renouer leurs anciennes relations pour éviter d’être pris.

Vraiment réaliste, le film adopte plusieurs points de vue différents. D’abord celui du jeune Ben Shepard à la recherche du scoop journalistique qui lancera sa carrière ; puis celui des agents du FBI à la recherche des fugitifs ; et enfin le point de vue de ces derniers en cavale. Sans recourir aux grosses ficelles classiques du thriller de gare comme la course-poursuite ou le-méchant-qui-nargue-les-flics-au-téléphone, Robert Redford mène son récit avec intensité et sans aucun manichéisme. Chaque personnage poursuit ses objectifs propres et transmet ses enjeux au spectateur avec justesse. Finalement, on se prend de sympathie pour les anciens activistes en fuite et pour le jeune journaliste en quête de vérité.

Robert à pris un sacré coup de vieux.

Les personnages sont incarnés par des acteurs de plusieurs générations confondues. De Robert Redford et Susan Sarandon en anciens terroristes à Shia LaBeouf et Stanley Tucci en journalistes, chacun interprète son rôle avec une vraie présence qui rend bien hommage à des rôles souvent trop stéréotypés dans ce genre de cinéma. Seuls Anna Kendrick et Terrence Howard en agents du FBI n’arrivent pas à quitter leur statut d’images d’Épinal d’agents-en-costard-l’air-contrits-devant-Google-Maps. La bonne surprise du film est sans conteste Shia LaBeouf -connu de nos services pour avoir joué le rôle du bogoss dans la série des Transformers- qui arrive à imposer une vraie personnalité à son personnage somme toute très classique, et à en dépasser les clichés. Chapeau donc.

Bien qu’on ne l’attende pas nécessairement sur ce point, le film se distingue également par des choix vraiment réussis en termes de montage et de mise en scène. Même si les plans de caméra et les effets visuels sont réduits au strict minimum, j’ai trouvé le rythme du film réellement soigné et apte à transmettre l’état d’esprit de ses personnages. Mention spéciale à la scène de contemplation lorsque Robert Redford arrive dans une cabane de forêt dont on devine qu’elle est chargée de souvenirs. Alors que toutes les polices du pays sont à ses trousses et qu’il est livré à lui-même, le fugitif prend le temps de la contemplation et se repose un moment. Un îlot de calme, comme dans l’oeil du cyclone, admirablement rendu à l’écran grâce au travail du même Robert Redford, cette fois dans le rôle du réalisateur.

En conclusion j’ai vraiment apprécié de me laisser entraîner dans ce thriller réaliste qui troque avec bonheur les scènes d’action pour prendre le temps de se souvenir du passé et de questionner les thèmes de l’engagement, de la rédemption et du pardon. Bien qu’il aborde des situations exceptionnelles, le film reste à hauteur humaine et permet donc une bonne identification aux personnages. Sans doute plus adapté aux néophytes qu’aux experts de thrillers politiques, Sous surveillance est un bon film. Tout simplement.

-Saint Epondyle-

Le Neutre et le Sous-Fifre

Images issues du clip de Xavier Dolan.

[La censure épargne le corbeau et poursuit la colombe.
- Juvénal, Satires II]

D’abord, une salle de classe à l’ancienne. Les élèves étudient dans un silence total lorsque l’un des leurs -bientôt suivi par tous les autres- jette une boule de papier sur un de ses camarades. Et puis c’est la descente aux enfers du souffre-douleur laissé en pâture aux petits caïds du collège, dans l’indifférence générale. Ainsi se déroule le dernier clip d’Indochine réalisé par Xavier Dolan, sujet à une vive polémique ces derniers jours. A la fin, le collégien est crucifié sur la place publique sous les regards voilés de ses semblables, puis achevé par balles. Une victime anonyme de plus, sacrifiée sur l’autel de la normalité.

La polémique fut amenée sur la table par le CSA en charge des autorisations de diffusion dans l’audiovisuel français. Le clip donc est sujet à discussion pour savoir s’il doit être soumis à une interdiction aux moins de 16 ou 18 ans à la télévision. Les arguments avancés par le CSA et notamment Françoise Laborde sa porte-parole sur ce dossier : la sempiternelle protection du jeune public face à aux images violentes.

Le clip en question, le voici.

Interrogée sur Europe1, Françoise Laborde évoque le problème sous deux angles différents. Premièrement, le fait que la violence et la mort n’ont pas leur place -selon elle- dans une recherche artistique :  »La violence c’est pas esthétique, la mort c’est pas esthétique ». Et deuxièmement, le fait que la musique ne devrait pas recourir à ce genre d’images pour illustrer ses clips : « Ces images là n’ont pas leur place sur des chaînes consacrées à la musique. [...] C’est une chanson, pas une oeuvre d’art et d’essai. »

Outre l’argument premier qui consiste à légitimer l’interdiction de diffusion d’un clip sur la base de goûts esthétiques et de valeurs personnelles, la représentante du CSA évacue d’un revers de main la possibilité de toute musique engagée et porteuse de sens. Reléguée à un rôle où elle se résume malheureusement trop souvent, la musique est perçue comme un unique divertissement, un bien marchand dont l’utilité et la volonté de convaincre sont -ou devraient être- totalement absents. Sous couvert de protection de la jeunesse, les détracteurs du clip de College Boy semblent finalement privilégier un type de musique par rapport à un autre, à savoir la musique facile à vendre, conforme aux normes qu’on lui demande de respecter a commencer par celle de ne pas choquer ses consommateurs fans.

Pour remporter le plein accord des instances dirigeantes, Indochine aurait du proposer un clip édulcoré, dénué de violence explicite afin d’éviter de choquer. En ceci, le cas de figure est fort semblable à celui de Saez dont les affiches de l’album J’accuse ont été interdites dans les métros parisiens. Jugée infamante tout comme le clip de College Boy, l’affiche a été contestée pour avoir osé représenter explicitement ce qu’elle essayait de dénoncer. Point ici de « complaisance pour la violence », mais bien une tentative de dénonciation, clairement formulée par le biais de l’image. Reste à savoir si l’on veut agir contre la violence réelle, celle qui s’exerce dans les écoles, les collèges et les lycées ou si on préfère s’attaquer aux artistes qui la représentent dans leurs oeuvres, quitte à prendre leur public pour des cons.

Finalement, la polémique aura nourri le buzz autour de ces images, générant l’inverse de l’effet attendu. Et fort heureusement des groupes comme Indochine ou Saez n’ont pas besoin de cette publicité pour garder leurs publics respectifs. Mais le vrai problème n’est pas dans les comptes d’apothicaires et les polémiques sur l’efficacité publicitaire de la censure à l’heure d’Internet. La vraie question posée par ces affaires est de savoir si en cachant les images fortes et symboliques liés aux thèmes qu’ils dénoncent explicitement, le message des artistes engagés n’en est pas sévèrement moins percutant.

En masquant la violence fortement symbolique (et donc exagérée) de College Boy, ne créé-t-on pas le risque d’amoindrir la perception de tous les tyrans quotidiens de leur propre violence ? Prophétiquement, le clip d’Indochine montre des foules de collégiens les yeux bandés face au martyr de leur camarade. Et si ce bandeau sur les yeux, c’était justement l’interdiction de diffusion de ces images et de ces paroles aux heures de grande écoute ?

En ne montrant pas le clip d’Indochine, on laisse faire les générations d’ordures de tous les âges, qui s’en prennent gratuitement à des milliers de boucs-émissaires innocents. Mais j’imagine que le plus important est de ne pas choquer les petites têtes blondes et donc de leur épargner la vue de la réalité, même si celle-ci est de leur fait. Et tant pis pour les quelques crucifiés de plus.

Après, on s’étonne que dans des pays ou les armes à feu sont accessibles, les souffre-douleur pètent parfois un câble et dans le même mouvement la gueule de leurs tortionnaires. En commettant l’irréparable, ils passent du côté des coupables, empêchant ainsi de faire comprendre leur souffrance et le caractère coupable de la masse indifférente. Montrer des images choquantes dans un clip pour illustrer la violence quotidienne de la majorité sur quelques-uns n’est pas une solution imparable. La connerie, les préjugés et l’intolérance ont la vie plus dure que ça. Mais lorsqu’un groupe décide de se faire l’ambassadeur des victimes au travers d’une oeuvre d’art explicitement engagée, il mérite mieux qu’une muselière.

-Saint Epondyle-

« - Si vous parliez aux lycéens de Columbine, vous leur diriez quoi ?
- Je ne dirais rien. J’écouterais ce qu’ils ont à dire. Ce que personne n’a fait. »

- Marilyn Manson interviewé par Michael Moore, Bowling for Columbine

[BD] Blacksad : L’Enfer, le silence

BROADCAST TRUTH Poster, par ~PaulSizer

[Broadcast truth or endure ignorance.
The airwaves still belong to you.]

Voilà un moment que vous trotte dans la tête une idée un peu puérile : ouvrir votre blog. Ainsi, vous pensez peut-être (sans doute) qu’il y a des sujets sur lesquels vous souhaiteriez vous exprimer, pour partager votre opinion par exemple. On pourrait éventuellement comprendre cette tentation risible en disant que le blog est un format intéressant, libre et personnel, ou en affirmant qu’il ne coûte rien d’essayer. Mais restons sérieux. Voici six bonnes raisons de renoncer à cette lubie ridicule.

1. Un blog c’est compliqué.

Premièrement, pensez un peu à la tâche qui vous attend. Mettre en place un blog, et surtout le gérer au quotidien demande des connaissances poussées en développement informatique, en architecture réseau et en sécurité de l’information. En outre, il est indispensable de connaître parfaitement de nombreux langages de programmation, car aucun logiciel simple n’existe en la matière.

Si vous ne savez pas ce qu’est une base SQL, si vous ne maîtrisez pas toutes les subtilités de l’Ajax et du Python, il est inutile de vous voiler la face car vous n’avez pas le niveau requis. Par nature, le blog est une plateforme dédiée aux experts.

2. Un blog, c’est has-been.

Alors c’est vrai, certains blogs ont connu leur heure de gloire. Mais ça, c’était avant. Si seulement elle a existé, elle est loin l’heure de gloire d’une blogosphère indépendante et pleine de contenus pertinents. La plupart de ces sites sont maintenant abandonnés par leurs auteurs prétentieux ; et les quelques lecteurs d’autrefois ont enfin terminé de se détourner de tout ce piètre travail à peine notable.

L’heure est aux réseaux sociaux. Pourquoi vous compliquer la vie à écrire et développer une opinion alors que vous pouvez simplement liker ou retweeter ? Pourquoi rédiger une réponse construite là où un simple « @’-;.twitoss_bogoss.;-’ XD ptdr #Remplaceletitredunfilmparcul #Epicfail (2/2) » est à la fois concis, direct et accessible au plus grand nombre ? Rendez-vous à l’évidence, le blog est un format de publication totalement has-been, et croyez-moi c’est pour le mieux.

3. Un blog ça demande des efforts.

D’autre part, vous devez abandonner votre idée si vous n’êtes pas disposé à sacrifier totalement votre temps libre et à risquer la rupture conjugale et la brouille avec vos amis. Et ce en pure perte. Gérer un blog est une tâche ingrate et vaine, aussi difficile physiquement à cause des nombreuses nuits blanches que vous serez obligé d’y consacrer, que moralement du fait des insultes quotidiennes reçues de la part de vos improbables lecteurs et de vos semblables. Ces derniers d’ailleurs feront tout pour conserver leur position dominante dans la blogosphère en vous mettant des bâtons dans les roues. Non seulement ils chercheront à vous nuire, mais en plus vous ne pourrez jamais espérer atteindre leur niveau d’excellence, leur célébrité et leur fortune.

Ce n’est pas tout : un blog est un dispositif coûteux, dont la création est comparable à celle d’une entreprise de taille moyenne. A moins de maîtriser la gestion des flux financiers de votre plateforme en temps réel et de pouvoir mobiliser des sommes colossales en yuan et en dollars, vous risquez de voir bien vite les huissiers frapper à votre porte pour saisir vos biens.

« G enf1 mon iPhone !!!! kikoolol XDPTDR » #Godwinpoint 

4. Un blog, ça n’intéresse personne.

Que ce soit dans la vraie vie ou sur Internet, votre avis ne nous intéresse pas. A moins bien entendu que vous soyez un peu connu (footballeur, première dame de France…) et que votre parole puisse être détournée pour vous nuire, personne ne va se préoccuper de savoir ce que vous pensez de tel film, de tel fait de société ou de connaitre vos états d’âme personnels. Si les passions communes, les réflexions et opinions favorisaient l’échange et le contact entre les gens, ça se saurait.

Plutôt qu’un espace éditorial soi-disant personnel, préférez la télévision qui propose un contenu varié et d’une qualité croissante. L’idée de s’exprimer par soi-même est une chimère inventée par quelques groupuscules de hackers crypto-anarchistes néo-soixante-huitards cherchant à saper la démocratie qui fonctionne si bien quand les citoyens ne communiquent pas entre eux.

L’information et la culture s’apprennent dans les écoles de journalisme, laissons donc faire ceux qui savent. Soyez raisonnable et taisez-vous.

5. Un blog c’est mal vu.

Si vous n’êtes pas encore convaincu(e), essayez de penser aux répercussions qu’un tel comportement ne manquera pas d’avoir sur votre vie. Créer un blog est un suicide social, presque aussi dangereux que certaines dérives occultes. Ce n’est pas uniquement par le temps que vous y accordez que vos amis vous tournerons le dos, et vous pourrez même leur cacher la vérité au début. Mais se lancer dans un blog c’est une preuve d’égocentrisme aberrante, une mégalomanie insupportable ! Tenir un blog, c’est cracher au visage d’autrui. D’ailleurs je vous méprise.

Et puis pensez à votre carrière : quelque-soit votre secteur professionnel, les portes du monde du travail se fermeront définitivement devant vous. Et croyez-moi : elles auront raison de le faire.

6. Un blog c’est VIRTUEL !

Et tout ça pour quoi ? Pour rien. Le temps, l’argent et les efforts investis dans votre petit projet seront bel et bien perdus. Rien n’est aussi inutile que de parler tout seul à un ordinateur. Rappelez-vous bien qu’un blog, et tout ce que vous voyez sur un écran, c’est virtuel. Sans doute vous aurez l’impression de discuter, de rencontrer des gens, mais tout cela n’est qu’illusion. Internet en fait, ça n’existe pas. Une fois cette mode passagère éteinte (d’ici six mois au maximum), vous serez bien plus heureux d’avoir consacré votre temps à profiter de la vie.

Quand bien même vous auriez l’impression de retirer de votre blog un peu de satisfaction, elle sera bien vite émoussée par le poids des sacrifices. Croyez-moi, je suis bien placé pour vous le dire. Ceci dit, si vous commencez à prendre en compte l’avis de quelques pixels affichés sur votre écran, c’est que vous êtes déjà déconnecté de la réalité. Dans ce cas comme dans l’autre, si vous décidez de ne pas écouter les discours débiles qui fleurissent ici ou là, et si vous avez des choses à dire, vous serez toujours bienvenu(e) parmi nous.

-Saint Epondyle-

6 bonnes raisons de ne pas faire de Jeu de Rôles

Le Blog et son influence

Et souvenez-vous que la réponse est 42.

~ Cet article est traduit et adapté d’un travail universitaire de mon cru. ~

[The geek culture is mixing fun with substance.
- Lars Konzack²]

C’est à cause de leurs passions particulières et incomprises du grand public, ainsi que de leur manque de charisme que les premiers geeks se sont vus attribuer ce terme comme une injure. Dans les années 1980, être un geek signifiait être un souffre-douleur.

Le développement des sciences informatiques depuis les années 1980 a permis aux geeks d’assumer leurs passions et compétences. (Péretié, 2011)⁵ Aujourd’hui, le terme à évolué. “Pendant longtemps, [le mot geek] était une insulte utilisée pour discriminer les individus spécialement intelligents. Ces exilés ont été stigmatisés à cause de leur expertise et de leurs manques généraux d’aisance sociale. Mais plus récemment, « geek » est devenu une marque d’affection [...] et un label pour ceux qui font preuve d’une certaine expertise sur certains sujets.” (McArthur, 2009)³

En fonction du contexte et de la personne qui l’utilise, le mot « geek » peut à la fois être utilisé comme une insulte (synonyme de no-life et de nerd) et un compliment. “C’est important de comprendre que le terme « geek » était une insulte bien avant d’être un marché de niche ou une marque de fierté personnelle revendiquée ouvertement. [...] C’est resté une insulte pour beaucoup : les lycéens et étudiants continuent de d’appeler « geeks » et « nerds » ceux qui sont spécialement studieux, mal habillés et non sportifs. [...] Les nerds sont en minorité ; les gens populaires sont la foule dominante qui impose ses normes.” (Tocci, 2007)⁶ L’acceptation grand public du terme définit le geek comme un accro aux jeux vidéo ou à l’informatique, mais ces communautés préfèrent utiliser d’autres mots pour décrire leur sous-culture : les gamers, les hackers, les blogueurs… « Geek » reste néanmoins une catégorie générale, très différente du no-life.

Cette victimisation des geeks à créé une grande frustration, et un besoin pour ces marginaux de s’exprimer. C’est pourquoi un point indispensable pour comprendre la culture geek est de savoir que ces communautés ont émergé dans les années 1980 principalement comme une contre-culture, en opposition à la culture mainstream. La sous-culture geek était -au départ- une culture de résistance. (McArthur, 2009)³

En se regroupant au sein de la même sous-culture, les geeks sont devenus capables de prendre le pouvoir et d’affirmer leur résistance face à la culture grand public. ‘Une approche commune est d’accepter leur statut d’outsider et d’affirmer la « fierté d’être geek » comme une stratégie de pouvoir et de résistance. L’identification à une figure marginale peut être souhaitable à certains égards ; ce sentiment peut aider à maintenir une certaine solidarité de groupe et un sentiment d’appartenance à un même groupe, uni autour ou contre certaines valeurs.” (Tocci, 2007)⁶ On peut ajouter que le besoin des geeks de partager leur culture entre eux est lié à ce mouvement de résistance, et à une volonté d’affirmer et de développer leurs propre culture.

Comme de nombreuses autres contre-cultures, la culture geek est de plus en plus réutilisée aujourd’hui dans la culture générale. Le succès au box-office de la trilogie du Seigneur des Anneaux au cinéma dans les années 2000 est un exemple typique de la dilution de la culture geek. (Sayanoff & Schulmann, 2007)⁷ Et le grand nombre de films de super-héros à Hollywood appartient également à cette tendance. Associés à la révolution Internet, à l’informatique et aux technologies mobiles, ces tendances participent à faire de la culture geek le nouveau « cool ».

-Saint Epondyle-

¹ Tocci, J. (2010). Ethnographic Blogging: Reflections on a Methodological Experiment. Journal of Cultural Science.
² Konzack, L. (2006). GeekCulture : The 3rd Counter-Culture. FNG2006. Preston: Aalborg University.
³ McArthur, J. (2009). Digital Subculture: A Geek Meaning of Style. Journal of Inquiry Communication, 58-70.
⁴ Kendall, L. (1999). Nerd Nation: Images of nerds in US popular culture. International Journal of Cultural Studies, 261-283.
⁵ Péretié J.-B. (Réalisateur), Arte (Producteur). (2011). La Revanche des Geeks [Film].
⁶ Tocci, J. (2007). The Well-Dressed Geek: Media Appropriation and Subcultural Style. Massachusetts Institue of Technology.
⁷ Sayanoff, X. & Schulmann, T. (Réalisateurs), Canal+ (Producteur) . (2007). Suck My Geek [Film].

[Sociologeek] Introduction

L’affiche du film, pas si représentative.

[Is it possible to miss a place
you've never been,
to mourn a time you've never lived ?]

C’est avec une certaine curiosité que j’avais entendu parler du dernier film de Joseph Kosinski : cet Oblivion qui semblait nous promettre les grands espaces post-apocalyptiques et Tom Cruise en combinaison blanche. Bien que sa sortie ait été un peu occultée par d’autres superproductions, l’esthétique du film semblait déjà promettre un petit je-ne-sais-quoi de plus que la routine.

C’est donc malgré un bon nombre de signaux d’alerte au nanar, que le film c’est imposé lorsqu’il nous a fallu choisir entre lui et Iron Man 3 lors de notre séance de cinéma de vendredi dernier. Bien que fortement risqué, Oblivion avait le mérite de conserver un potentiel de surprise non nul en comparaison des cabotinages de l’insupportable Robert Downey Jr. Pitchons.

La Terre, dévastée par une guerre nucléaire, a été abandonnée par ses habitants. Réfugiée sur la lointaine Titan, l’humanité ne doit sa survie qu’aux ressources en eau extraites de la planète bleue. Jack et Julia sont chargés de la maintenance des drones chargés de surveiller les installations.

La routine parfaitement huilée du petit couple en combinaison blanche est soudain mise à rude épreuve lorsqu’un vaisseau inconnu s’écrase dans leur zone d’activité. La suite des événements l’amènera à se rappeler des souvenirs effacés de sa vie d’avant.

C’est sur cette base d’univers sans originalité qu’Oblivion se propose de raconter l’histoire de Jack et de ses certitudes mises à mal par l’effroyable réalité. Autant dire que les premières minutes du film laissent un goût de cendres dans la bouche tant on s’attend à une rengaine absolument déjà-vue des mêmes poncifs de science-fiction grand public. Et pourtant, résumer le film à une bête redite serait à mon sens très réducteur. D’autant que les premières minutes en question sont l’occasion de découvrir une esthétique léchée quoiqu’assez artificielle. Entre technologie directement sortie de l’Apple Store le plus proche et vues panoramiques de la terre désertée depuis les nuages, l’image ravit l’oeil.

En fait, Oblivion ne nous sert pas de clichés que pendant les premières minutes. Tout le film est gangrené de scènes prévisibles à souhait et de dialogues interchangeables avec n’importe quel blockbuster sans âme. Les clichés les plus rabâchés du monde depuis L’empire contre-attaque le disputent à une prévisibilité crasse de plusieurs scènes dont on pourrait écrire les dialogues et l’issue à l’avance. Le tout en notant les franches inspirations de Half-Life, Matrix et même de The Island de Michael Bay tant au niveau scénaristique que visuel.

Du côté des acteurs, Oblivion se repose très largement sur un Tom Cruise plutôt convaincant sans trop se forcer, ainsi que sur quelques acteurs complémentaires plus ou moins connus, d’Olga Kurylenko à Morgan Freeman en passant par Nicolaj Coster-Waldau, déjà connu de nos services pour son rôle de Jaime Lannister dans la série Game of Thrones. Malgré tout, le casting ne brille pas vraiment et quoiqu’efficaces les acteurs ne font guère plus que le minimum légal. Et Tom Cruise fronce les sourcils.

Et pourtant.

iTom et ses jouets.

Pourtant, Oblivion réussit le tour de force d’intégrer à ce tableau assez peu flatteur un bon nombre de superbes trouvailles et de bonnes idées, tant dans son scénario que dans son univers et son aspect visuel. Même si en fin de compte le scénario catalogue presque tous les thèmes de la SF, les retournements de situation sont réellement bien faits et -personnellement- m’ont parfois vraiment surpris. Là ou l’on pouvait s’attendre à un concept de base et à de multiples scènes d’action censées cacher la misère scénaristique, Oblivion surprend en tapant très souvent à côté de là ou on l’attendait. Pour une surprise, c’est assurément une bonne surprise qui rattrape un peu les innombrables maladresses stylistiques. Au final les changements d’enjeux successifs sont bien amenés sur seulement deux heures de film, et donnent à Oblivion une saveur de SF à la Philip K Dick, c’est à dire un goût de film pas uniquement beau.

Et pourtant, beau le film l’est. L’image est magnifique et surtout superbement mise en valeur par la photographie de Claudio Miranda. Si effectivement l’ensemble ressemble parfois à une pub pour un produit technologique à valeur surévaluée, la sauce visuelle prend bien malgré tout. Et comme sur le reste du film, le meilleur côtoie le cliché -notamment dans le design des vaisseaux et des costumes. Un autre excellent point : la bande originale signée par Joseph Trapanese, qui réussit à illustrer le récit à la perfection sans tomber dans le pompier passe-partout réchauffé au micro-ondes.

En résumé, Oblivion est un grand écart permanent qui arrive à conjuguer de vraies trouvailles scénaristiques, esthétiques et d’univers aux pires ramassis de clichés que nous inflige le mauvais cinéma depuis des éons. Ces deux extrêmes se côtoient en permanence, dans tous les aspects du film et parfois dans les mêmes scènes lorsque par exemple des dialogues conventionnels à l’extrême ponctuent de vrais retournements de situation. S’il est difficile de crier au génie étant donné les poncifs qu’il nous inflige, Oblivion reste malgré tout un bon film doté de ce qui fait bien souvent défaut à ses collègues de SF, d’Avatar à Prometheus : une bonne histoire. Grâce à ce film qu’il a écrit lui-même, Joseph Kosinski se hisse au rang des metteurs en scène à suivre. Ce qui est bien quand on est responsable de Tron Legacy, c’est qu’on ne peut que progresser.

-Saint Epondyle-

La couverture du tome 1

[Les dieux immortels règnent sur l'univers.
Tout ce qui vit craint leur pouvoir.
Tout ce qui vit, sauf une créature.
Un enfant...]

Voici un moment que j’avais envie de lire l’une des bandes dessinées cultes d’Alex Alice, dont j’avais bien aimé le graphisme dans Le Troisième Testament. Adapté du cycle d’opéra de Richard Wagner Der Ring des Nibelungen, Siegfried est un triptyque dessiné qui puise son inspiration dans les mythologies germanique et scandinave.

La série est composée de trois tomes dont chacun développe un aspect de la quête épique du héros germanique éponyme. Le premier, sobrement intitulé de son nom Siegfried, est dédié à l’histoire passée du héros jusqu’à son départ du pays de l’enfance. Et comme toujours dans les bandes dessinées d’Alex Alice, l’apparente simplicité de l’histoire cache en réalité toute la force épique de la mythologie.

Élevé par Mime le nimbelung dans l’ignorance des dieux, Siegfried est pourtant au coeur des préoccupations d’Odin, qui règne sous le ciel. Par lui, le dieu des dieux souhaite reconquérir le royaume d’en bas : le sous-sol où règne sans partage le dragon Fafnir qui s’est rendu maître du seul pouvoir qui échappe à Odin, celui de l’or. Tiraillé entre le désir de retrouver le royaume des hommes et son destin de tueur de dragon, l’enfant grandit au coeur du pays des légendes.

Ce que j’aime bien dans les récits mythologiques, c’est l’extrême simplicité avec laquelle ils permettent parfois d’aller d’un point A à un point B. Les artifices scénaristiques et les détours narratifs sont réduits au strict minimum, tout comme le nombre des personnages d’ailleurs, afin de se concentrer sur la narration elle-même, et sur la recherche stylistique. Le Siegfried d’Alex Alice suit ce schéma en représentant de manière très dépouillée une histoire universelle. Le premier tome est logiquement dédié à la phase d’exposition et présente l’histoire ancienne, celle d’Odin et de l’or (le fameux anneau des Nimbelungs) mais aussi celle de Siegfried enfant. Toujours très soignée, la mise en page et la construction du récit appuient son effet très théâtral qui renvoie logiquement à l’oeuvre de Wagner dont elle s’inspire.

Cette dimension grandiose se retrouve d’ailleurs dans le trait d’Alex Alice, que je découvre comme auteur et dessinateur unique là ou il travaillait toujours en collaboration sur d’autres projets. Vraiment beau, le graphisme de l’auteur navigue à la perfection entre le réalisme et le légendaire notamment grâce à la présence de créatures mythiques comme Mime le nimbelung, mais aussi la sorcière Völva, la Walkyrie et Odin. Ce caractère légendaire est d’ailleurs magnifié lorsque l’auteur décrit les paysages fabuleux du pays des légendes, entre montagne et forêt, été et hiver, ombre et lumière. Les ambiances lumineuses justement sont particulièrement bien rendues. Associé à un soin absolu de la mise en page, ce graphisme permet à Siegfried d’affirmer une identité poétique et mythique très forte. Personnellement, j’adore.

Enfin, et c’est là encore une particularité des oeuvres d’Alex Alice, les textes de la BD sont particulièrement bien écrits, entre dialogues et narration. L’écriture très poétique vient renforcer le caractère théâtral et fantastique de l’album, tout en sachant se faire le plus discrète possible et laisser parfois à l’image le soin de raconter l’histoire. C’est notamment le cas lors de certaines scènes de plusieurs pages presque sans un mot, invitant le lecteur à découvrir la richesse graphique des planches plutôt qu’a passer au travers en lisant uniquement le texte.

A la réflexion, Siegfried est une oeuvre parfaitement équilibrée, qui allie dessin, mise en page et écriture poétique au service de son récit. Celui-ci est d’ailleurs d’autant plus intéressant qu’il s’inspire de la mythologie européenne et en propose une interprétation possible. Chaque élément constitutif de la BD fonctionne en synergie avec les autres tout en se ménageant des espaces d’expression plus importants, ou le texte prend le pas sur le dessin et inversement. Dans ce premier tome, Alex Alice pose les bases très efficaces et passionnantes d’un triptyque magistral ; l’adaptation en BD d’une oeuvre majeure de la musique classique mondiale.

-Saint Epondyle-

La couverture illustrée par Alex Alice.

[Dans leur quête qui devait apporter la fin de ce monde, ils côtoyaient les vestiges de ses premiers temps.]

Il aura fallu un peine plus d’un an à Alex Alice et Thimothée Montaigne pour continuer l’histoire de Julius, la préquelle du Troisième Testament. En grand fan de la série et de ses auteurs, il n’a pas fallu me prévenir deux fois avant que je me précipite dans ma boutique de BD pour acquérir ce nouvel album.

Le second tome de Julius donc, sobrement intitulé La Révélation 1/2, reprend l’histoire là où l’on avait laissée. Attention, spoiler.

Après leur évasion de la mine de Siddim, Julius, Livia et le chrétien trouvent refuge dans la forteresse rebelle d’Ein Guedi au coeur de la Judée occupée. En ancien général, Julius tente de convaincre son compagnon d’utiliser son influence pour fédérer les juifs et partir à la reconquête de leur pays.

Mais plutôt qu’un destin guerrier, celui que le peuple appelle le Sar Ha Sarim, « le Prince des Princes » choisit de répondre à l’appel de son Dieu, et de partir vers l’est.

Si le talent d’Alex Alice n’est plus à prouver depuis la saga originale du Troisième Testament et bien entendu son magistral Siegfried, c’est autant pour la qualité de ses histoires que pour sa capacité à les raconter. Alors que certains romanciers se perdent dans des séries trop longues, lui est capable d’instaurer une grande puissance dans la narration en à peine une cinquantaine de pages à chaque album. Julius n’échappe pas à la règle et propose une histoire extrêmement bien mise en scène quoiqu’un peu vide d’événements, ou les personnages voyagent vers l’orient, à travers le désert et jusqu’à la magnifique ville de Babylone.

Le dessin de Timothée Montaigne prend logiquement la suite de celui de Robin Recht qui avait réalisé le premier tome. Son trait affirmé et contrasté est à la fois sobre et austère lorsqu’il représente le désert et d’une richesse insoupçonnée pour décrire la fabuleuse cité de Babylone par exemple. Sans être aussi racé que d’autres, son graphisme réaliste se met parfaitement au service de son histoire et lui donne un cachet historique et exotique parfait, tout en sachant déployer beaucoup d’énergie lorsque le besoin s’en fait sentir. Associé à un soin extrême porté sur la construction des pages et la mise en scène, ce dessin est le vecteur idéal du propos de la BD.

Et de propos justement, Julius en est plein. Des dialogues à la narration en « voix off », les textes de l’album sont admirablement écrits et renforcent d’autant le plaisir de lecture. Bien que le thème même de l’album soit baigné de religion, il peut tout à fait s’apprécier d’un point de vue mythologique, comme une aventure légendaire autant que personnel et non pas comme un ouvrage prosélyte. Pour moi qui me passionne pour tout ce que les religions comportent de légendaire et pour leurs influences culturelles, c’est du pain béni. Sans mauvais jeu de mots.

En conclusion, ce second tome de Julius est la digne préquelle du prestigieux Troisième Testament. Peut-être pas aussi surprenant que le premier album et un peu frustrant en ceci qu’il n’achève pas l’histoire ; il n’en demeure pas moins un récit intense et passionnant, qui se lit d’une seule traite et contribue à affirmer Alex Alice comme l’un de mes auteurs français préférés. Un échelon de plus sur l’échelle qui nous emmènera, au bout du compte, à la révélation. Vivement la suite !

-Saint Epondyle-

[BD] Le Troisième Testament, Julius

[BD] Le Troisième Testament

Saez au zénith de Toulouse en 2013. Crédit photo @ Yann Monesma.

[Tu y crois, toi ?]

Ô combien j’ai attendu cette date du 10 avril 2013, date du concert de Saez dans ma ville d’adoption. Dans le froid du printemps en retard et sous le crachin du Nord, je me souviens m’être pressé avec mes amis au devant du Miami Tour au zénith de Lille. Il est 19h30 lorsque nous franchissons les portes pour pénétrer dans une fosse pas encore bondée. Saez est mon artiste fétiche et me voici sur les lieux de mon premier rendez-vous avec lui, et quelques milliers d’autres.

Un concert de Saez, c’est une sorte de pari. L’artiste est écorché vif et pas toujours très amateur de l’exercice live. Alors quand une petite minorité du public rock s’amuse à semer le chaos, il arrive que l’incident mette fin au concert de manière précipitée comme à Nancy en novembre dernier. Pourtant, lorsque l’alchimie fonctionne, le moment peut entrer dans les annales et faire date dans les mémoires. En arrivant à la salle de Lille nous avions bien sûr les précédents en tête, et au coeur l’espoir de bien tomber.

Le Miami Tour est la tournée accompagnant la sortie de l’album éponyme en mars dernier, ainsi que le triple album Messina sorti en septembre. On pouvait donc légitimement s’attendre à un bon nombre de morceaux récents jamais entendus en live jusqu’ici ; mais aussi à quelques titres emblématiques plus anciens. Sans première partie, le spectacle commence sur un titre inédit où Damien se présente seul avec sa guitare, sans fioriture. A la fin de Quais de Seine donc, il enchaîne avec Tango et Rois Demain, qui est l’une de mes chansons préférées et qui passe malheureusement un peu vite. Puis vient Marie avec ses accents de Brel et son accompagnement ponctuel à l’accordéon. Ouvrir sur des chansons acoustiques dont certaines sont inconnues du public, le pari est dangereux. Autour de moi dans le noir, quelques voix discutent et se plaignent « Pourquoi il ne joue pas les anciennes ? » Un peu inquiet, je me concentre sur la musique et je me laisse bercer par ces paroles que je connais par coeur.

Petit à petit, le silence se fait dans la salle, et le public commence à s’animer de plus en plus. L’étincelle est en train d’allumer la flamme. Lorsque les premiers coups de batterie se font entendre et que le groupe au complet fait son apparition, les lumières inondent la scène et les sons s’électrifient. On rentre dans le bourrin avec un cocktail de chansons anciennes et récentes. Alors que le public commence à scander les paroles, la fosse s’embrase. Lorsque commence Fin des mondes, son intro scandée et surtout ses percussions à soulever le coeur, tous les poings sont tendus vers le ciel. La flamme vient d’allumer l’incendie.

Saez au zénith de Toulouse en 2013. Crédit Photo @ Yann Monesma.

Pendant trois heures de concert à peine rompues par un court entracte, Damien et son groupe nous emmènent au bout de nous même. Tellement de titres cultes que le moindre temps mort est proscrit, à commencer par Miami et Le Roi, tirées du dernier album et franchement géniales en live. On reste ensuite dans le thème de la drogue avec Pilule et Cigarette, auxquelles répondent la sublime Voici la mort et enfin J’accuse comme une évidence.

Physiquement, nous sommes brisés. Compressés dans la fosse, je ne sens plus mes jambes ni mes bras, et ma voix déjà abîmée au départ n’est maintenant qu’un lointain souvenir. Nous nous prenons à espérer une évasion lorsque Into the wild et Rochechouart nous ramènent à des sons plus planants, plus calmes mais pas moins intenses. Puis nous retournons aux sources avec la chanson culte Marie ou Marilyn, et l’hymne antifasciste Fils de France sur fond de lumières bleues, blanches et rouges. Logiquement, c’est le très actuel Ma petite couturière qui enchaîne, avant d’ouvrir sur Jeunesse, lève-toi et je défaille.

Après les flammes de la révolte, les textes se font plus personnels. Et Damien chante Marguerite, cette chanson que j’aime tant. Puis comme il le dit lui-même « Après l’illusion, la désillusion » ; et Putain vous m’aurez plus reprise en choeurs par un public exténué mais ravi. A la fin de la chanson, Damien lâche quelques mots. « Je vais vous faire « Tu y crois » mais quand je vous vois, j’ai envie d’y croire un peu. » A la fin de ce morceau sublime que je ne connaissais pas bien, les lumières s’éteignent totalement sur une fosse qui appelle pour un dernier morceau.

Alors que Damien revient, à nouveau seul sur la scène, il nous adresse à nouveaux quelques mots de remerciement. Visiblement ému et content d’être là, il entame Châtillon sur Seine, l’une de ses chansons les plus personnelles, en acoustique. Les notes s’égrènent et la voix éraillée résonne, limpide à travers un silence absolu. Dans le noir complet ou quelques milliers de coeurs battent à l’unisson, deux flammes de briquets luisent encore.

En sortant sous la pluie lilloise aux alentours de minuit, je crois que notre état faisait un peu peur à voir. Mais même si j’en sors toujours cassé, rien ne me fait sentir aussi vivant qu’un concert aussi magnifique, chargé d’émotion, plein à ras bord de ce bon vieux rock, brut et mélodieux. Entre la setlist quasiment parfaite, le groupe à son paroxysme, l’artiste sincèrement heureux de se donner et le public en ébulition, les conditions étaient réunies pour un moment légendaire. En y repensant, j’ai presque honte de mes craintes du début. Alors Damien, pour avoir douté je te demande pardon. Et pour ce moment, merci.

-Saint Epondyle-

La setlist au complet (via darkjak)

Quais de Seine
Tango
Rois demain
Marie
Paraît qu’elle est en ville
Pour y voir
Betty
Les printemps
J’hallucine
Fin des mondes
Miami
Le roi
Pilule
Cigarette
Voici la mort
J’accuse
Into the wild
Rochechouart
Marie ou Marilyn
Fils de France
Ma petite couturière\Embrasons nous
Jeunesse lève toi
Marguerite
Putain vous m’aurez plus
Tu y crois
Chatillons sur Seine

[Saez] J’accuse

[Saez] Messina

[Saez] Jours étranges

[Journal de Saint Epondyle #1]

J’inaugure un nouveau format d’éditorial. Etant donné que tous les best of sont maintenant regroupés sur une seule page, le bulletin trimestriel désormais baptisé Mémento sera l’occasion de discuter de l’actualité concernant Cosmo Orbüs et ce qui s’y rattache.

Je suis en ce moment dans une période très chargée, le rythme des publications est donc un peu plus lent. J’ai beau avoir de belles idées et des projets en pagaille pour le site, je manque de temps pour les mettre en oeuvre. Pour autant, la fureur du monde n’a pas encore eu raison de moi. Car comme le dit le sage : « Qu’importe que le vent hurle, la montagne jamais ne ploie devant lui. »

Cosmostats

Ce trimestre, vous avez été 7347 (!) à me rendre visite, pour un total de 14257 pages vues. Le mois de mars 2013 établit un nouveau record avec 5433 pages vues à lui seul. Merci à tous de votre fidélité, qui me fait un immense plaisir !

Les articles les plus lus sur le trimestre ont été les suivants. Vous pouvez également retrouver mes articles préférés sur la page Best Of.

1. [Saez] J’accuse (2593 vues grâce à une position outrancière sur Google Images)
2. Daenerys Targaryen vue par les fans (472)
3. L’allégorie de la caverne, de Platon à Matrix (419)
4. [Saez] God Blesse / Katagena (405)
5. [Groupe] Kyo (326)

Ce mois de mars a également vue l’arrivée de Cosmo au sein du réseau Flattr. Voici donc les premiers retours à ce niveau : Cosmo a reçu quatre donations pour un total de 1,47€, les articles Pourquoi je blogue et Où sont les femmes ? ont reçus chacun 0,56€ et enfin Le Jeu de Rôles, le Meujeu et l’Amour a été soutenu à hauteur de 0,50€. Au total, la recette s’élève à la somme colossale de 2,78€ pour le mois de mars ! Etant donné que mon budget de dons est actuellement de 2€ mensuels, je suis bénéficiaire. Merci donc à tous les généreux donateurs !

Cosmosphère

Petit à petit, la Cosmosphère s’élargit. La page Facebook compte aujourd’hui 118 fans, et le compte twitter 374, qui n’attendent que vous. En plus des actus du blog en temps réel, les cosmofans ont  aussi accès à du contenu exclusif d’une immense valeur artistique, comme par exemple la nouvelle campagne de pub que voici, dévoilée en avant première, le 7 mars dernier !

D’un autre côté, le label des Les Ondes Résistantes poursuit sa vie, nous avons eu le plaisir d’accueillir quatre nouvelles recrues ces derniers mois : Kaa Chan, introspective, Paradise Book et AvalonFaery auxquelles je souhaite encore une fois la bienvenue ! Nous sommes aujourd’hui tout juste vingt membres !

C’est tout pour aujourd’hui, je retourne à mes moutons électriques. En attendant des nouvelles d’ici ou d’ailleurs, je vous laisse en compagnie de ma bande-son du moment. D’ici à notre prochaine rencontre, continuez à vous passionner, restez connectés, mais n’oubliez pas de vivre.

Dehors, c’est le printemps.

-Saint Epondyle-

[Best Of] Janvier, Février, Mars 2011

[Best Of] Février, Mars, Avril 2012

[Best Of] Novembre, Décembre 2011, Janvier 2012

Reality, par ~EranFolio

~ Inspiré de l’image ci-contre par EranFolio ~
~ Et du film Notre jour viendra, de Romain Gavras ~

[Je ne me souvenais pas
que l'appartement était si vide.]

Il vient de partir. Par la fenêtre, je le vois courir sous le crachin, puis disparaître dans la nuit. Il monte dans sa voiture, sans un regard en arrière. Au début ils venaient tous les jours. Puis toutes les semaines. Et maman a cessé de venir. Aujourd’hui ils se souviennent à peine que j’existe. Si seulement j’existe encore. Je ne sais pas combien de temps il est resté cette fois. Sans doute moins que la fois d’avant, il y a un mois. Ou un an ? Une éternité.

Comme d’habitude il est resté debout et n’a pas retiré son manteau. Il a parlé de ma mère, de mon frère. De ma soeur aussi. La vie continue là-bas. Cela me parait si loin. Comme les autres fois, il m’a expliqué pourquoi j’avais du quitter la maison. Une deuxième fille dans une famille respectable passe encore, mais une fille rousse c’était impensable. En restant là-bas, j’aurai été au mieux un fardeau pour mes parents, au pire j’aurai mis toute la famille en danger. Alors on m’a mise ici, et je ne me suis pas plainte. Je ne sais pas pourquoi il s’excuse toujours autant. Je sais que c’est ma faute. Que le problème vient de moi. Il m’a posé des questions. Il m’a demandé si Madame Yi était bien gentille. Je ne sais plus si j’ai répondu.

Ça fait longtemps que j’ai vu cette pièce. J’y passe pourtant mes jours et mes nuits. Depuis deux ans. Trois ans ? Depuis des années. L’appartement est assez grand, mais je ne m’éloigne pas du salon. Au début, le cilice me faisait trop mal pour marcher. Avec ses clous en fer qui me tailladent la cuisse, je n’arrivais pas à me lever. Maintenant c’est à peine si je le sens. On s’habitue à la douleur, même la plus intense. Lorsqu’on perd l’espoir de s’en délivrer, on s’y adapte. Et elle finit par façonner notre corps, notre façon de vivre, et au final notre âme elle-même. Aujourd’hui j’arriverais peut-être à marcher si j’essayais. Mais je reste toujours dans le coin de la pièce, le seul d’où je peux me raccorder au Réseau. Le Réseau, c’est tout ce que j’ai.

Tous les jours Madame Yi vient m’apporter des nouilles et s’occuper de moi. La plupart du temps, je ne m’en rends même pas compte. Je suis en ligne. La seule chose que le Réseau n’efface pas tout à fait, ce sont les odeurs du restaurant qui me parviennent même quand la fenêtre est fermée. En fait, la fenêtre est toujours fermée.

Je ne me souvenais pas que l’appartement était si vide. Apparemment, quelqu’un est venu prendre des meubles. L’espace semblait moins grand avant. Plus sombre aussi. Mais on a presque tout pris. Tout sauf le vieux fauteuil. J’aurai bien aimé avoir le vieux fauteuil. Mais il est de l’autre côté du salon, et pour l’atteindre je devrais me lever. C’est impossible, le câble de mes lunettes ne va pas si loin. Alors je reste assise sur le parquet. Contre mon mur. A côté de la fenêtre.

Le Réseau, il me montre l’extérieur. Cet extérieur que j’ai quitté depuis des années, celui ou les gens ont peur de tout. D’eux-mêmes, et de nous. Avant, il m’arrivait de quitter l’appartement. J’allais dans la rue, et même jusqu’au parc parfois. Aujourd’hui, je n’y vais plus. Quand j’étais petite, ma mère me disait de toujours garder mon bonnet bien sur ma tête en dehors de la maison. Je n’aimais pas ça, mais c’était la règle. A l’école, j’avais même une amie. Elle s’appelait Sarah. Et puis un jour, en sortant de l’école, les autres enfants nous ont attendus. Ils se moquaient de moi, ils m’ont insultée et ils m’ont poursuivie dans la rue. Quand ils m’ont retiré mon bonnet, j’ai hurlé. Alors ils m’ont frappée très fort avec les mains et les pieds. Et j’ai roulé sur le sol. Je me souviens du rasoir brillant, ils m’ont coupés les cheveux. J’ai eu très mal, et j’ai pleuré. Sarah aussi a pleuré. Mais elle n’a rien dit.

Ça fait des années que je n’avais plus pensé à tout ça. J’ai envie de pleurer mais je n’y arrive pas. Mes yeux me font mal, je n’ai plus cligné depuis des semaines. La lumière qui filtre par la fenêtre me cogne dans la rétine. Et les lointains bruits de la rue me donnent mal à la tête. Migraine ! Comme une scie qui me tranche le cerveau à chaque mouvement. J’ai envie de vomir et je pleure enfin. Et même mes larmes me brûlent les yeux.

Tout cet environnement me dégoûte et je ne veux plus être ici. Je remets mes lunettes pour rentrer chez moi. Loin de mes souvenirs, de la douleur physique. Dans le Réseau, je vois la mer et les lueurs de l’aube sur un autre monde. Un monde loin de mes parents et de la violence du dehors. Là-bas, il n’y a plus de famille, ou de gens pour me faire du mal. Alors je me sens vide de cette rage qui me brûle le corps et l’âme. Là-bas, je peux arrêter complètement de penser, jusqu’à cesser d’exister. On s’habitue à la solitude. Et lorsqu’on perd l’espoir de s’en délivrer, on s’y adapte.

-Saint Epondyle-